西方绘画中的音乐主题

西方绘画中的音乐主题

张文源

山东农业工程学院  山东济南  250100

摘要：音乐是绘画的忠实题材之一。它或具象为乐器、乐谱等具象元素，或抽象为线条、色彩等抽象元素，在画家笔下大放异彩。绘画通过可视化呈现了音乐听觉之外的另一面，将听觉的抽象艺术转化为具象的视觉艺术。画家痴迷于从音乐中获取灵感，在视觉艺术中的表达新的创意，利用独特的通感将音乐性融入绘画作品。

关键词：象征、瓦格纳、抽象、表现

一.以音乐为主题的具象绘画

从远古时期，人们就在住宅和庙宇的墙壁以及日常和礼仪用品上描绘音乐。这些图像让我们了解了真实的音乐活动及其象征意义。自文艺复兴以来，许多用音乐传播神话和宗教准则的主题重获新生，人们偏好用音乐神话图案和寓言画来装饰建筑。这些与音乐相关的神话传说和宗教寓言主题绘画，反映了对人的智慧、理性的赞扬和推崇，这些绘画的目的不在于诠释音乐，而是音乐背后的象征意义。

1.神话与宗教

在古希腊神话中，阿波罗与里拉琴成为绘画作品中表现音乐理性和神圣性形象的代表，同时，这些神话传说也隐喻了音乐的功能——传播美德、升华灵魂。除了以阿波罗的神话为主题之外，与音乐相关的神话人物，如俄耳甫斯、墨丘利、维纳斯、丘比特等，同样受到画家青睐。普桑的作品《维纳斯与墨丘利》，画中维纳斯（美之神）和墨丘利（艺术的保护神）正在交谈，左下角的丘比特（Eros，精神之爱）正在试图打倒羊孩安特洛斯（Anteros，肉体之爱）。墨丘利身旁和地上摆放着艺术的标志物：琉特琴、调色盘、乐谱和节杖，寓意着更高层次的精神战胜了尘世的欲望。

许多宗教文本都带有图像，并利用图像中的音乐及其效果强化经文的启示。《圣经》中常出现的与音乐相联系的形象有大卫、天使、牧羊人、圣人等。大卫除了在雕刻作品中以手持投石武器的形象出现外，在绘画中通常以演奏乐器的形象出现，天使则以音乐赞美神的形象，从中世纪到文艺复兴到文艺复兴流行不辍，其中尤以15世纪意大利画家梅洛佐•达•福尔利的作品最为著名。这幅罗马十二使徒湿壁画《天使奏乐》，描绘了天使围绕在耶稣身旁演奏乐器的图景，神韵姿态皆优美生动，无奈在18世纪壁画严重剥落损毁，只保留了残缺的天使部分，其中手拉提琴、弹奏琉特琴的两位天使最为动人。

扬•凡•爱克的《根特祭坛画》中有一幅《唱歌的天使》，描绘了表情各异的在歌唱的天使，展现的古典音乐中的一种作曲形式——复调，在复调音乐中，不同声部的演唱者演唱不同声部，甚至不同的歌词。能抓住这样的细节，可见画家对真实的追求达到了极致。

2.乐器与音乐家

音乐家使用乐器演奏音乐，而乐器在所有文明中都代表了声音的现实存在。视觉艺术如实地反映了这一点，并发展出静物画的题材。有些乐器静物画会加上骷髅这一细节，以突出作品的宗教、道德与象征隐喻，这类静物画被称作虚空静物画，代表作是克拉斯的《有小提琴与玻璃球的虚空静物画》。并非所有的静物画都具有深刻的象征意义。有时，静物画只是单纯地作为画家绘画技法的练习。代表作有夏尔丹《平民音乐的乐器》。

音乐不仅出现在神话传说、宗教寓言和静物画中，现实生活中的音乐家、演奏家、音乐会和表演场景也是重要的表现对象。马奈的《吹笛少年》成功地画出了围绕着少年的空气感，只有脚边小小的影子表现出少年是站在地面上的。少年的脸庞承受着来自正面的光线，几乎没有阴影，马奈用强有力的笔触将其画的活灵活现。他运用从委拉斯贵兹身上学来的粗犷用笔，表现出金色笛子的光泽。浮世绘也给马奈带来启发，他在这幅画里融入了浮世绘的技巧，挑战将绘画简略化的课题，裤子两边的黑色条纹被马奈借用来当做轮廓，明显的区分出背景与人物。其他代表作品：拉图尔《乐师的争吵》、哈尔斯《弹曼陀铃的小丑》、维米尔《弹吉他的女人》、德加《歌剧院里的管弦乐队》、德拉克罗瓦《肖邦肖像》等。

二.以音乐为主题的抽象绘画

以上的绘画在描绘以音乐主题时，采用的是寓言、象征的间接方式。那么，画家是否尝试过将聆听音乐时感受到的形象描绘出来呢？听过音乐的人应该都有类似的经历：伴随着音乐，脑海中浮现出不同的画面，仔细回想却又捕捉不到它们。这是因为这些形象是模糊的、变化的。绘画要想要表现聆听音乐时的情感体验谈何容易，画家不仅要捕捉到形象，还要将它们塑造成符合美学标准的形象，并且让观众知道他所表达的形象是具体哪一首的音乐。

19世纪下半叶，瓦格纳音乐带给整个艺术界一次巨大震撼，许多画家深受瓦格纳艺术的影响，用绘画描绘瓦格纳音乐的感受。瓦格纳是19世纪德国作曲家、指挥家、哲学家、文学家和政治活动家。瓦格纳利用大量频繁出现的无终旋律不断积聚欢愉的能量，令听众在高潮的边缘游走，却始终无法解脱。所以，与瓦格纳同时代的诗人波德莱尔把瓦格纳的音乐比作可卡因，哲学家尼采则将其比作麻醉剂。法国是最先受到瓦格纳艺术熏陶的地方，1860年在巴黎举行的一系列先锋音乐会标志着它的开端。包活波德莱尔、马拉美、高更、雷诺阿、莫奈、罗丹、福楼拜、左拉等众多艺术家在内，都将瓦格纳艺术视为通往现代的道路。

画家方丹•拉图尔是音乐会的常客。他观赏了瓦格纳的乐剧《唐豪瑟》之后，对这一主题产生了兴趣，留下了一系列作品。《维纳斯山上的唐豪瑟》作于1864年，画面描绘了《唐豪瑟》第一幕第二场：在维纳斯的王国中，唐豪瑟观看了宁芙、酒神的狂女和法翁的舞蹈，如梦初醒，他告诉维纳斯，他要离开这个声色犬马的地方。画家借鉴了提香作品中维纳斯的形象，以及华托绘画中远景的诗意。作品展现了弥漫着怀旧气息的理想世界，其中的神话原型结合了爱情、音乐和对即将逝去的天堂的怀念。方丹•拉图尔的尝试取得了可喜的成果，然而，画家雷东的评价却道出了这种方式的缺憾：他苦心尝试用绘画诠释音乐，却忘了任何色彩都无法完全表现内在——完全不依靠真实物质世界的音乐世界。这正是绘画诠释音乐的根本矛盾所在。

在六十年之后（1923年），同样是受到瓦格纳《罗恩格林》表演的启发，康定斯基创作了《构图八号》，这幅抽象作品企图用颜色和形状来唤起声音，用绘画记录视觉上的交响曲。康定斯基在一次演讲中说到，他并不想“画音乐”，对他来说，音乐是灵感的来源，但他不打算用他的作品来说明音乐作品。康定斯基自述有绘画与音乐的联觉——一种不同意识形式的换位经验。作品中每一处色彩与形式的组合都像是一段可以奏响的旋律，笔触好像乐句流动那样有着停顿与呼吸，色彩如同音符。

野兽派大师马蒂斯诠释音乐的方式看似简单，却更深刻。马蒂斯在1910年创作了《音乐》，在这件作品中，画家回归了传统的表达音乐主题的方式——描绘音乐家，但与传统不同的是，画家并没有过多地描绘音乐家的姿态，相反，演奏者和歌唱者都处于极其安静、内敛的姿态，这恰恰展现了音乐的内向性本质——只有在静止、安静的氛围中，我们才能聆听音乐。进一步考察可以发现，这五个等距离里排列的人形成了字母M的样子，显然，马蒂斯以“Music”这个词的字头作为构图的基本形式，人物的排列也神似五线谱上排列的音符。

结语

人性中有许多情感是共通的，它能超越空间与时间，这也正是绘画和音乐两个不同的艺术门类可以相通的基础。以音乐为主题的绘画，让我们感受到无声的音乐，但绘画不能也不以完全诠释音乐为目的，画家优先考虑的事情可能不是音乐，而是画面的美感。

参考文献：

[1][美]弗洛朗斯•热特罗《看见音乐》武汉：华中科技大学出版社 2019.

[2]严伯钧《对立之美》北京：中信出版集团 2021.